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本周展览推荐

早查艺术 2018-11-07 15:33:42
闫冰
时间:06月13日 ~ 07月10日 每天10:00-18:00
地点:民生现代美术馆
费用:RMB 20/5(学生票)

闫冰是中国目前十分活跃的年轻艺术家之一,在闫冰不同媒介的创作中,他通常直接使用平凡甚至是原始的日常物品为素材,并以绘画的方式刺探这些平凡之物的精神维度。在他所描绘的这些日常之物的表象下,隐藏的是艺术家对于生命认知的温度。闫冰的作品中透露出来的情感是复杂的,在简单朴素里渗透着感悟与思辨,疼痛和欣喜。在这些散发着“古意”的作品里,隐藏着闫冰对其个体经验与当下生存世界关系的深刻思考。
本次展览将展出闫冰2009年至今创作的作品,展出艺术家的50余件绘画及装置作品,包括早期的《箱子》,后期的《疼痛的重量》、《爱》以及在2016年创作的最新作品。这些作品呈现了艺术家创作脉络的演进,其中近一半的作品为首次展出。闫冰将身边的日常之物以及艺术家的个体经验混合,转换成了艺术家对精神性的追求。在他的创作中,情感是其艺术实践的起因和动力,然而艺术家却将所有的情绪隐藏在了作品形式的内部。
闫冰曾经的劳作生活形成了他的价值判断,而泥巴、农具以及家乡重要的农作物小麦和土豆则成为了他主要的图像形式和观念母题。闫冰并非是单纯的现成品挪用,而是在这此基础上,予以一种形式的改造和美学的重组,甚至他亲力亲为的制作方式本身都承载着某种经验和观念。闫冰通过调动材料的物质属性,构建了一个新的视觉或空间场域。这种与现实之间的距离,使得作品本身生发出一种强烈的仪式感和纪念碑的性质。
《疼痛的重量》
闫冰的作品在揭示自然或乡土之神圣根源的同时,也是在重启艺术本身及其所在的当代语境中的一种自然和神圣。艺术家的思考和行动诱使我们去重新触摸和认知这个世界原本自然的属性——用闫冰自己的话说,它是一种性感、内敛、天成和神圣。
本次展览将持续至7月10日。 


现在进行式Ⅲ
时间:06月18日 ~ 07月30日 每天10:30-18:30
地点:M50创意园 2号楼 1楼 M艺术空间
费用:免费

明天的太阳总是新的。《现在进行式Ⅲ》再次集结了M艺术空间持续合作和关注的多位艺术家。展示他们近期正在进行创作和思考的艺术作品,以一种自然发生的状态呈现给观者。这些作品以不拘一格的媒介,涉及绘画、摄影、雕塑、装置、木刻、纸本等,或侧面或直观的来讲述每个艺术家所经历的停留、唤醒、探索、自我超越的过程,简单的几个字却涵盖了他们每一段不简单的历程。创作被视同于艺术家的呼吸,是内心情感思想观点的表达,也是不断否定自我、实现自我、创新沿袭的过程,在这里艺术家说了近期他们想说的,无论是冷静的反思还是不悔的追求,是一段驿站也是一次告白。 
纸间现实 拉什•穆勒最爱的书
时间:06月24日 ~ 08月07日 每天11:00-19:00
地点:上海当代艺术博物馆
费用:免费

本次展览是世界著名设计师拉什 · 穆勒在中国的首个展览,将展出他的100本经典的出版著作,这些书籍皆可供观众在场翻阅与欣赏,让纸间的设计游走在你的指尖。psD特邀日本著名建筑设计师藤本壮介担任本次展览空间的设计,及国内知名设计师广煜担任本次展览的海报设计。
拉什 · 穆勒出版物展由瑞士著名出版商和设计商拉什 · 穆勒出版社发行。自1983年起,拉什 · 穆勒致力于出版建筑、设计、字体、摄影、以及社会问题等为主题的著作。他利用其出众的个人才能为此类出版物寻求最佳的设计风格和出版材料,以追求最佳的出版设计质量。
对我而言,当我实现内容与设计的出众与和谐时,这本书就是特别的作品。没有什么比一本金玉其外败絮其中的出版物更令人沮丧的了。
——拉什 · 穆勒 
STAMP TRAVEL 上海静安江宁社区邮票趣味展
时间:06月24日 ~ 08月25日 每天09:00-18:00
地点:静安区淮安路771号文化活动中心
费用:免费

1840年5月6日,世界上第一枚印有维多利亚女王头像的黑便士邮票在英国诞生,发明者邮票之父“罗兰.希尔”引发了一场世界邮政的重要革命。邮票的历史就是人类科技迅速发展、文明到达空前高度的历史,近200年来各个国家发行的邮票上包括了人类所有可以认知世界。
这次举办“邮票上的旅行”上海静安江宁社区邮票趣味展的目的就是通过世界上各地的几百张邮票和明信片让大家领略看世界各地不同国家邮票上的风采,正可谓从方寸之间看大千世界。
东南偏南,来自新加坡的艺术
时间:06月25日 ~ 07月15日 每天10:00-17:00
地点:淮海西路570号红坊艺术社区B107-108 艺博画廊
费用:免费

《东南偏南:来自新加坡的艺术》,本展览邀请了来自新加坡比较有代表性的5位艺术家,他们的艺术创作各有特色和偏重,创作的内容囊括了当代的水墨,Video,装置,绘画及摄影较全面的阐述了各自的艺术观点,某种程度上也代表了新加坡的艺术现状。
新加坡的地缘性决定了其独特的文化形成,作为多元文化的移民国家,其文化属性很难单一的归类,艺术表现上亦更趋于开放性的社会议题,但多元化语言诠释也让展览失去概括的聚焦,展览的名称也正源于此。艺术家更着重于个人内在化的思考,以及外在社会性的审视其所在地的文化冲突。
李志(Justin Lee)的作品“国王与我”“ Andy Warhol ”“快乐将军”均以波普(pop art)的形式对日常的“物”及其图像重新进行了解读。通过对物理属性及隐含的社会性的研究,重新定义了“物”的概念,使其在原本的自然属性外,用观念赋予其新的含义。其“国王与我”很容易的联想到意大利艺术家皮耶罗⋅曼佐尼(Piero Manzoni) 1961年创作的作品“艺术家的大便”,也是其最富知名度和最具争议性的作品。
刘轩齐的“新加坡製造”系列之“游乐园”是其作为外来移民经过近10年在新加坡的长期生活和观察后,以自身的体验用绘画的方式表述对新加坡文化的理解。作为移民国家的新加坡以开放包容的态度不断的吸引着外来新移民的加入,在承受着新文化的冲击的同时,亦衍生出其独特的多元化融合的文化特色。“游乐园”中的此设施是新加坡制造的,属于新加坡人的儿时记忆,或许在现今已被新的游乐项目所取代。但物体的消失并不意味着记忆的消逝,就如新移民的加入,新文化的加入,但其固有的文化印记始终保有,并影响着每个新加坡人。
刘轩齐的“未知星球”,艺术家用水墨绘制了一个孤独未知的星球,星球本身只是种借用,借用物来表达对虚空的未知的迷茫。水墨,黑与白(阴与阳),刻意的留白都是艺术家自身文化属性的自白。
作为视觉艺术家,刘威延(Urich Lau)多采用video,照片及版画来阐述他的观念。此次参展的两件作品,一为照片,另一为video。两者的取材均源自于电影的片段。“空景”截取于导演昆汀⋅塔伦蒂诺的电影“低俗小说”、“落水狗”、“危险关系”,在这三张“空景”里,影片里角色被瞬间抽离,只留下鲜明的又令人难忘的(不详预兆)的事物。当观者在不被告知背景下,整个场景呈现出虚幻和现实并存,世俗而恐怖,熟悉又不同寻常,引发关联性的想象。
Urich Lau的另一部video作品“演说者”,该视频源于电影《大独裁者》(卓别林,1940),《公民凯恩》(奥森⋅威尔斯,1941)及《奇爱博士》(斯坦利⋅库布里克,1964)。虽由影片里的主要角色讲述,但字幕的内容被进行了戏剧化的重置,旨在反映当代艺术中的各种问题。
姚诗韵(Yeo Shih Yun) 非常擅于挖掘材料的特性,她重新诠释了水墨,其水墨作品完全摒弃了传统的用笔来书写和绘画,而是根据材料本身的特性,利用不同的媒介来进行实验性创作,探求其所能达到的各种可能性。达到某种随机又可控的效果。“瀑布”即是先将六至七个品牌的油墨品牌在不同的容器里调成不同的密度,后将每卷纸用各种角度在其中浸渍,呈现不同视觉效果。当他们展开,犹如瀑布的舒展开来。
“我们是新加坡”是新加坡1987年为国庆而创作的歌曲,也是所有新加坡人耳熟能详的歌曲,表达了新加坡人对于自己国家的认同和热爱。在这件作品里,音乐本身成了绘画作品的重要组成部分。艺术家将水墨与水置于震动的扬声器的薄膜上,捕捉其在纸上溢流的痕迹,然后将痕迹经由数码扫描和挑选,印制于圆形的有机玻璃上。整个过程,始于“我们是新加坡”的音乐的开始,止于音乐的结束。
杨伟慧(Yeoh Wee Hwee)“悟化”系列风景作品里,标识性的“景”被移除,地缘线被有意识的模糊,画面顿时呈现出虚无,孤寂而平静,此刻的景更多的是艺术家的意象,留存于心中的风景。
杨伟慧此次除了绘画,另携带了三件小的装置作品。用日常的胶带作为创作的材质,将中文里的文字,如“壶”“平步青云”“鼎天”等用物的形式来解释,保留物的辨识度的同时加入了文字里意象的部分。
5位艺术家用不同的方式表述了他们内化和社会性的思考,文化或许略有差异,但完全无碍于对作品的理解。如果说个体是点,集体就是面,是对区域性艺术及隐含的文化线索的群体呈现。希望本次展览有助于让国内的观众更多的了解新加坡和新加坡的艺术,借此推动中国-新加坡的文化交流。
李志(Justin Lee),1963年生于新加坡,早年毕业于新加坡拉莎尔艺术学院和南洋艺术学院,2006年毕业于英国哈德斯菲尔德大学。
刘轩齐(Liu Xuanqi),1977年生于中国浙江,1999年毕业于上海理工大学出版印刷与艺术设计学院。2006年定居新加坡。2009年起由独立设计师转为职业艺术家。
刘威延(Urich Lau),1975年生于新加坡,1997年毕业于拉莎尔艺术学院,2001年毕业于澳大利亚塔斯马尼亚大学。 2004年毕业于澳大利亚皇家墨尔本理工大学,硕士。视觉艺术家,独立策展人,现任教于新加坡拉莎尔艺术学院。
姚诗韵(Shih Yun Yeo),1976年生于新加坡,1998年毕业于新加坡国立大学,2001年毕业于新加坡拉莎尔艺术学院,2002年毕业于美国旧金山艺术学院。
杨伟慧(Yeoh Wee Hwee),1978年生于新加坡,2000年毕业于新加坡南洋艺术学院,2006年毕业于英国哈德斯菲尔德大学,2009年毕业于英国格拉斯哥艺术学院,硕士。 现为新加坡拉莎尔艺术学院和南洋艺术学院的兼职教师。 
最烂艺术展
时间:07月01日 ~ 09月15日 每天11:00-21:00
地点:南京西路1788号1788广场1F
费用:RMB 40

一个有史以来最惨不忍睹的展!
为了纪念那些伟大的得“0”分的家伙们!
展览参与者:
熊孩子、失败的艺术家、无业游民、农民伯伯、差生等......1000个坏蛋制造了这个展览
展览内容:
1.烂画烂诗
2.反胃的装置
3.扭曲的思想
4.疯狂的涂鸦
5.不可告人的照片
6.反人类的日用品
还有那些贵到爆的烂作;
19万元的板砖、56万元的短信、84万元的大便、1064万元的马桶、1.2亿元的白纸、4.57亿元的黑板、10.8亿元的裸女......
展览体验空间:
1.纯情陪睡屋:2714万元的床陪你睡一夜
2.中国烂声音:不间断制造属于你的烂声音
3.烂人祭奠室:给你心中的烂人找个位置
4.一个人的厕所:窥视全世界最污的厕所,留下你最邪恶的一面
展览亮点:
1.多维度的观感:站着、躺下、爬出、钻进...意想不到的观展方式
2.漫步沙滩的触感:唯一一个把沙滩搬进展场,让你清凉一夏的展览
如果你也不墨守成规,对改造世界抱有一丝热情,不要犹豫,加入我们,让世界知道:坏蛋来了... 
书与画——英国近现代版画与插图本展览
时间:07月02日 ~ 08月08日 每天10:00-18:00
地点:宜山路407号喜盈门国际建材品牌中心三楼云艺术空间
费用:免费

“书”与“画”并非是中国传统文化语境下的“书法”与“绘画”而是指“书籍”与“版画”。版画的诞生原本就是印刷的需要——作为文字的补充,版画插图帮助解读文本、赋予书籍趣味性,对文化程度不高的读者具有亲和力,进而扩大了书籍的流通。今天我们能看到的几百年流传下来的版画作品,很大部分是依附于书籍并与文字相得益彰的插图。
英国有着源远流长的文学和版画传统,曾涌现过威廉·布莱克、威廉·莫里斯这样的诗人/艺术家全才型巨匠,在整个世界文学和艺术史上留下了绚丽的一笔。正如萧乾在1947年出版的《英国版画集》序言中所提到的:英国版画,及与其密切相关的印刷术之猛进、昌兴、自辟天地,大部分是由于作家、画家、出版界的有勇气、有卓见,对版画具有宗教般的热忱。本次展览展出19、20世纪英国近现代艺术家所创作的具有一定代表性的不同题材版画作品,以及含原版版画的珍贵插图本,通过实物向观众展示英式版画及相关版画插图本的迷人魅力。
用版画复制油画作品、传播艺术,是早期版画的重要功能之一。如本展览作品年代最早的1825年钢版画《微笑的男孩》是《Gems of Art》画册中的图版之一,原作者是西班牙油画家牟利罗(B.E.Murillo)。由版画家W.Ward雕版,是典型的钢版画。19世纪是钢版画的黄金时代,作为工业革命的产物,钢更有韧性,雕刻的线条更细密,版材更耐用,受到出版商的欢迎。本展览收录的另外几幅钢版画均为人物作品,其中一幅的作者F.A.Heath来自名声显赫的版画世家Heath家族。
版画的实用功能也体现在时尚领域。在照相术还未发明之前,版画是传达流行信息的重要手段。如两幅1828年The Lady's Magazine《小姐杂志》上的时装版画,为铜版画印制并手绘上色,精美绝伦,下方印有英语解说:“晚装” Pierpoint小姐设计。时装版画蕴含的丰富内涵及其本身的欣赏价值使其成为当下古典版画收藏领域炙热的题材。
到了19世纪晚期,很多读者已厌倦了矫揉造作的维多利亚风格。被后人誉为现代设计之父的威廉·莫里斯在英国发起了“工艺美术运动”。他强调艺术设计必须“师自然”,认为手工制品才具有美感,明确反对机械化批量生产。借用时下流行用语,莫里斯追求的正是“匠人精神”。1891年他创办了凯姆斯考特印刷坊(Kelmscott Press),其后六七年间,共出版了53部书籍。他亲自设计书籍的字体、版式和纹饰,选用高档手工纸,并邀请版画家好友创作插图,限量发行。每部书籍都可谓呕心沥血之作,其中最为精彩的当属《乔叟作品集》(藏书界称之为“凯姆斯考特乔叟”),公认为十九世纪最美的一部印刷书籍。该书插图作者乃著名木刻家爱德华·伯恩琼斯(Edward Burne-Jones),莫里斯的牛津同窗和一生的挚友。本次展出的凯姆斯考特印刷坊《伯瑞希维尔先生的浪漫史》出版于1895年,同样由伯恩琼斯设计了标题插图,木刻的复古风格与这部中世纪浪漫小说的时代背景相契合,配以莫里斯设计的精美纹饰,用红黑双色套印,限量印刷仅350本,是英国插图本中珍贵的善本。
而在同时代,另一股艺术力量也在暗流涌动:这就是以比亚兹莱(Aubrey Beardsley)为先锋的新艺术运动。比亚兹莱擅长运用纤细的线条营造乖戾、妖冶的氛围,在内容上大胆探索两性主题,以“颓废的美”抵制虚伪、保守的维多利亚道德/美学标准。比亚兹莱的作品飘洋过海,受到鲁迅、叶灵凤等文化名人的推崇,并对民国新文学的发展产生过深远影响。本次展出的《福尔蓬奈》为1898年出版的比亚兹莱晚年最后一部插图本作品。由他设计封面和7幅插图。当时比亚兹莱受病痛折磨已迁居法国,同年3月辞世时,这部遗作还有部分插图未完成。此书限量1000本,每本都有编号,存世稀少。
到了20世纪上半叶,英国涌现出一批小型的私人出版社,接过凯姆斯考特印刷坊的衣钵,倾力制作最美的手工装帧书籍。其中最耀眼的无疑是金鸡出版社(Golden Cockerel Press)。本次展览收录了数部金鸡出版社的精品版画插图本。其中圣经故事《参孙与达利拉》(Samson & Delilah)的设计者为木刻名家罗伯特·吉宾斯。吉宾斯出生于爱尔兰,后移居伦敦学习艺术。他对木刻的黑白关系处理独到,画面高度简练,没有任何冗余的东西,富有浓郁的装饰韵味。以书中最精彩的参孙徒手搏杀雄狮的画面为例:紧绷的肌肉线条突出了参孙孔武有力的大力士形象,整个画面对比鲜明,充满了张力,吉宾斯的艺术天赋展露无遗。1924年吉宾斯曾接管了金鸡出版社,开始了其辉煌的“书人”生涯——除自己亲自操刀创作木刻插图外还邀请诸多版画家(包括大名鼎鼎的艾力克·吉尔)设计插图,研究字体和纸张,把控手工装帧的各个工艺环节。
展柜里的另一本书籍《海洛与利安得》(Hero & Leander)是金鸡出版社1949年出版的,收录铜版画插图11幅。插图作者为新西兰裔英国版画家莱特(John Buckland-Wright)。古希腊神话中的少女Leander婷婷玉立,线条流畅、优雅,艳而不俗。一并展出的还有他为波斯诗集《鲁拜集》创作的两款铜版画插图。不光是铜版画,莱特在木刻方面也造诣非凡。他与吉宾斯、吉尔等人被视为英国现代木刻复兴运动的中流砥柱。在题材上尤其擅长人体作品,雅致、清秀,具有独特的文人气质。值得一提的是他也备受董桥青睐。
同时展出的还有同一流派的版画家塞维林。塞维林出生于比利时,妻子妮娜是英国人,战后曾随妻迁往英国。他也曾受金鸡之邀设计过书籍插图,不过他在另一个领域——藏书票的圈内更享有盛誉。一生创作了近500款藏书票,风月题材的占有很大比例。画面上的佳人婀娜多姿,但脸庞自始至终未曾改变。董桥曾透露这位缪斯其实就是爱妻妮娜。这张作品《帷幕前的裸女》创作于上世纪50年代,纹理极细腻的木口木刻,淋漓尽致地展现了他的微刻技艺。
展览的最后一组是英国现代版画家的作品。无论是传统的田园式题材(如女木刻家Susan Glassford的作品《罂粟与雏菊》),还是与都会生活联系更紧密的题材(如女版画家Eileen Cooper的作品《Private View》),我们依然能直观地感受到英式版画独特的艺术风格。
德国设计大师Dieter Rams曾把我们所处的世界比作an impenetrable confusion of forms, colours and noises. 的确,我们处在一个“图像泛滥”、“众声喧哗”的时代。愿观众能在这些典雅的英国版画和书籍前沉静下来,享受片刻的安逸。
是以为序。
阿罡版画书斋
上海国际少儿生活方式展
时间:07月07日 ~ 07月10日 每天09:00-17:00
地点:上海展览中心
费用:免费


爱不孤单:奈良美智作品收藏体验展
时间:07月09日 ~ 08月31日 每天10:00-21:00
地点:芮欧百货4楼艺术空间
费用:RMB 80-45

作为亚洲最知名的当代艺术家之一,奈良美智先生以其neo-pop风格和他笔下众人熟知的小孩形象治愈过无数观众的孤独心!由上海新晋界艺术空间携手芮欧百货倾情呈现的“爱不孤单:奈良美智作品收藏体验展”将于7月盛放上海!此次展览,主办方得到藏家授权,藏家将其精心收藏的多幅奈良美智先生作品与大家分享,作品包含多种表现手法和种类,精彩之作令人瞩目!奈良美智先生的作品在平静之中蕴含丰富的内心世界,表现手法细腻而精准,情感直指人心,使此次展览成为不可错过的参观机会!
关于艺术家奈良美智
奈良美智先生是亚洲最著名的当代艺术家之一,和村上隆、草间弥生并为日本当代艺术的三剑客。其作品包括漫画及动画。代表形象是头大大斜着眼睛不怀好意的小孩、洁白驯良的狗、以及身着绵羊装的儿童等。近年来,因为《蜗居》电视剧中的奈良美智作品梦游娃娃的露出,被中国大众所熟知。
展览看点
藏家私藏少见奈良美智作品,漂洋过海来中国
由于此次展览展出的作品都是由爱好奈良美智艺术的藏家拍得的珍品,不为大众所常见,是一个一次性饱览奈良美智各个时期创作的大好机会,很多作品由境外藏家所有,是第一次来中国哦!
克里斯·萨尔特个展“体感场”
时间:07月09日 ~ 09月04日 每天11:00-18:00
地点:莫干山路50号18号楼
费用:RMB 20

展览将CAC展厅打造成一个持续变化、幻象迭起的空间,令人仿佛置身于梦境之中;在此,一切都是那么不可思议,人们将开始体验到其它多种感觉如触觉、声觉、统觉,时间的感知以及看不见的他者的在场。展览随时可由20位观众同时参与。观众抵达CAC展馆后,将在更衣区看到一面巨大的镜子,并在指导下正确穿戴经由特别设计和定制的连体服。每件服装连有一个兜帽和护目镜,它们将科幻小说元素完美地融入高端时尚,并起到完全模糊和扭曲视觉的作用,从而营造出一个朦胧混沌、无可名状的场域,使得观者如同穿行在茫茫大雾中。同时,通过服装上嵌具的一系列特制的无线传感设备,观者将感受到连续性的振动在全身游走,从腿到手臂和胸口,犹如受了到某种神奇外力的操控。光线从穿戴者身上发射出来,与环境光相互交错,不断变换着颜色与强度,闪烁不定。行走于不同区域时,观者还将感受到皮肤上生成的不同感觉、节奏和图样。如是,光线、声音与触觉在身体上的分布不断发生着动态变化,犹如构筑了一个巨大的体感场——一个将触觉散发的场域。
“体感场”以触觉为主导,通过创造一种更加体验性的方式来理解“虚拟触感”及其如何跨越和“干涉”到其它感官,其不仅对触觉这一在艺术实践中长期遭受遗忘、“甚至未被载入史册”(文化史家康丝坦斯·克拉森语)的感官模式进行了探索,并且试图重新弥合自古典主义时期以来由亚里士多德所提出的五个独立感官的划分,揭示了感官并非相互割裂,而是在特定文化语境中构建生成,而与此同时新的技术又如何延展、塑造和改变着我们处于社会-技术环境下的感官体验。
本次展览项目的无线传感设备由蒙特利尔麦吉尔大学的输入设备和音乐互动实验室(IDMIL)特别设计研发,其使用的触感技术打破了单纯从信息理论出发将世界(和使用者)划分为信息发送者和信接收者的单一路径,为如今在触觉领域逐渐形成的一种新的社会文化范式带来了另一种艺术实践与思考。
展览同名作品《体感场》是艺术家基于对四个不同领域的交界研究而完成的装置作品,是涉及到多重感觉系统、新型可穿戴技术、感觉人类学(跨越文化之感官研究)以及触觉科学和工程学的艺术,并且构成了萨尔特对当代技术领域内人类感知中枢的延伸所作的持续性探索的一部分。本次展览根据CAC场地定制。 
*仅供预告,请以展馆信息为准



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